zeitliche Eingrenzung: 1990 bis heute
In der Sache ist das faszinierend. Der erste Track spielt dabei besonders mit dem Element der Field-Recordings. Man hört die Landschaft mit. Gleichwohl wirkt die tönende den Orgeln und dem Harmonium entlockte Musik bis zu einem gewissen Grad hilflos in diesem Raum.
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Das Gleiche ist immer eben doch anders. Das wirkt vielleicht hin und wieder wie eine versonnene, in sich kreisende Übung. Überhaupt dreht sich in den Kompositionen von Agnas vieles um die Geschwindigkeit, um positive und negative Beschleunigungsprozesse, parallel und sequentiell.
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Ein Album, dass zum Philosophieren anregt – gleich mit den ersten Sätzen im Booklet: «Schenken ist eine heikle Angelegenheit. Was schenke ich wem zu welchem Anlass? Werden die Beschenkten meine Wahl verstehen? Gefallen daran finden? Ist der Wert angemessen oder überzogen? Bringt meine Gabe die Beschenkten in Verlegenheit? In Zugzwang? Besitzen Sie den geschenkten Gegenstand etwa schon und mögen es nicht zugeben? Ist die Freude echt? Oder eine Pflichtübung? Soll ich durchblicken lassen, dass ich das Spiel durchschaue? Oder einfach mitspielen?» (Michael Rebhahn). Rasch ist man dabei, die selbst gemachten
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Ruhe, Stille. Die Musik von Mark Andre (*1964) bewegt sich oftmals an den Grenzen des Hörbaren – und sie bewegt sich damit in einem dynamischen Spektrum, das in der breiten Öffentlichkeit (auch im Gespräch und in der engagierten Diskussion) schon nicht mehr wahrgenommen wird. Gerade dieser andere Pol der Kommunikation, ihr konzeptioneller Gegensatz zu allem Plakativen und Lauten, verleiht ihr eine brennende Aktualität. Noch immer – muss man leider sagen, denn die auf diesem Album dokumentierten Live-Mitschnitte der Uraufführungen stammen alle aus den Jahren 2017/18. Zwei der eingespielten Kompositionen tragen
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Ein Doppelalbum, das durch drei Jahrhunderte der Musikgeschichte geht und dabei eine ganze Menge an Kleinigkeiten «abräumt». Die erste Hälfte der insgesamt 50 Stücke wurde aus dem 18. und 19. Jahrhundert gewonnen, die übrigen stammen aus dem 20., wenn nicht gar 21. Jahrhundert (die genauen Entstehungsdaten der Miniaturen werden nicht mitgeteilt). Warum aber eine solche Produktion? Früher wurden mit derartigen Stückchen noch auf den Klassik-Sendern des öffentlichen Rundfunks die übrig gebliebenen Sendeminuten vor den Nachrichten gefüllt… Wie kaum anders zu erwarten spielt sich Antonio Ballista ordentlich durch die Minuten, ohne
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Poesie des Lichts, des Raumes und der Worte. Irgendwo zwischen Stille und Er-eignis, zwischen Punkt und Gleißen, Helligkeit und Schatten. Die Musik der aus Taiwan stammenden und in Paris lebenden Komponistin Liao Lin-Ni (*1977) lädt zu solchen Assoziationen ein – wobei ihre Werke selbst wiederum Reflexionen auf Texte der visionären amerikanischen Lyrikerin Emily Dickinson (1830–1866) sind. So wie dort mit offenen Formulierungen die Gedanken in Freiheit entlassen werden, so lassen sich auch die Bagatellen von Liao Lin-Ni ins Offene weiterdenken. Es handelt sich um kleine Serien von Bagatellen, nummeriert mit
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Mein lieber Schwan. Eine Doppel-CD mit aktueller kanadischer Musik für Snare Drum. Kann man das verantworten, ist das auszuhalten? What? Man kann, man muss, man sollte. Unbedingt.
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Dass es sich hierbei überhaupt um Musik handelt, ist ja auch gar nicht so voraussetzungslos zu sagen. Ein Handeln mit akustisch wirksamen Materialien in der Zeit, das durch die spielende Interaktion sich selbst am Laufen, das meint, in der Zeit sich bewegend, hält.
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Dieses Album ist mir immer wieder in die Hände gefallen. Ein Zufall? Mag sein. Vielleicht aber auch die Aufforderung, nun doch etwas zu dieser Produktion zu schreiben, die sich schwer einordnen lässt. Ein wenig fühlt man sich an ältere Arrangements à la «Symphonic Beatles» erinnert – die sinfonische Nobilitierung von Liedern und Songs, denen aber eben doch kein zyklisches Konzept zugrunde liegt, bei denen der Fokus eher auf dem satteren Sound liegt. Sucht man nach einer Konstante in den auf zwei CD verteilten 15 Tracks, so ist es vielleicht die
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Es ist ein Album, das mit seiner vielschichtigen Konzeption überzeugt. Im Zentrum steht dabei (auch was die Track-List angeht) Jörg Widmanns Ikarische Klage – eine frühe Komposition von 1999, gleichwohl schon wegweisend und keinesfalls für eine spätere Kanzellierung bestimmt. Um Ikarus und seinen Höhenflug geht es auch im übertragenen Sinne über alle drei Werke. Denn bei Felix Mendelssohn und Erich Wolfgang Korngold begann das kompositorische Schaffen schon früh im Kindes- und Jugendalter. Vom Himmel gestürzt ist freilich niemand. Auch wenn Mendelssohn bereits mit 38 Jahren starb, hinterließ er doch ein
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Irgendwie steht der Titel des Albums in krassem Widerspruch zur Musik. Denn so «personal» wie es auf dem Cover heißt, ist diese Musik nicht. Sie ist vielmehr und vor allem reichlich pauschal, erinnert an den musikalischen Rahmen in einer gepflegten Bar: pauschal, ohne Charakter, konsumationsbedürftig und – leider am Ende auch langweilig. Was bei einem Aperol noch geht (weil man es überhört), wird auf einem Album zur Qual. Nun stellt sich die neugierige (!!) Frage, welche «personal stories» Benjamin Nuss hier erzählt. Ein Blick auf die Titel verweist dann auch
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Judith Wegmann spielt auf den Tasten, in den Saiten (auch präparierten) und insgesamt inside! Mit relativ wenig musikalischem Material kann man hier dieses Universum der vielen Leere, des Vorsichhinköchelns betreten und sich zwischen den Ohren dann mitziehen lassen.
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